genius _loci

От 16 и старше. 16/21 фест.

Чем большее количество людей спрашивало меня, почему фестиваль хоровой музыки называется 16/21, тем сильнее я убеждалась, что название правильное. Потому что спрашивали. Интересовались. А иначе - что? Ну фестиваль хоровой музыки и фестиваль. Кому это интересно?
А ответ простой, и абсолютно не абсурдистский (не как "42" в "Автостопом по Галактике"): потому что в программе музыка с XVI по XXI век. Кстати, принципиально было написать не римскими цифрами (нечитабельными вне академического контекста), а именно привычно-обиходыми. Потому что эта музыка  так свежо звучит - как будто она примерно этого юного возраста, 16-21.
И поёт ее по большей части молодежь. Ее - большинство в составе участников феста: муниципальный камерный хор "Нижний Новгород", вокальный ансамбль Хронос, хор Фестино.
Мы тут уже неоднократно исследовали новое пространство Арсенала с помощью музыки, но на этот раз случилась вообще уникальная вещь: удалось три концерта провести в сердце выставки "Музей великих надежд", в центральном ризалите, возле полотна Сергея Шутова "Люди будущего".
Когда думаешь о сочетании двухсветной архитектурной конструкции с хоровой музыкой, вспоминается Бродский:
Знаешь, на свете есть
вещи, предметы, между собой столь тесно
связанные, что, норовя прослыть
подлинно матерью и т. д. и т. п., природа
могла бы сделать еще один шаг и слить
их воедино: тум-тум фокстрота
с крепдешиновой юбкой; муху и сахар; нас
в крайнем случае.



Это пространство хорошо не только акустикой (практически храмовой), но и тем, что слушатели могут выбирать дислокацию: на нижнем или верхнем уровне им сидеть. Внизу всё звучит очень сочно и густо, даже плотновато. А наверху набирает объема и, если дождь не барабанит по крыше, буквально расцветает в воздухе.
Арсенал, согласно одному из наших слоганов, - это лаборатория будущего на территории прошлого. Поэтому с самого начала хотелось соединить в фестивале современную музыку с произведениями предыдущих эпох. Тут как нельзя лучше подошла программа питерского хора Фестино "История мадригала", где Жанекен соединяется с Хиндемитом, а потом вообще идут Хрущева (на текст Алексея "Угла" Фишева, скончавшегося в возрасте 30 лет лидера панк-группы "Оргазм Нострадамуса")
и Зобнин (на текст Хименеса).


Датаобразующим фактором фестиваля стала программа хора "Нижний Новгород", в день памяти 22 июня спевшего "Война бесмыссленна" (Amao omi) Канчели и хоры Шнитке на фоне музыки про две других войны - Чеснокова ("Во дни брани", 1915) и Щедрина (с текстами Твардовского, любимого поэта ветеранов Великой отечественной).



Вкусный разворот темы прошлого и актуального дал вокальный ансамбль Хронос. Духовные стихиры в раннепартесной традиции, которые они спели - это не просто музыка XVII века. Это фактически авангард той эпохи - неожиданно появившаяся в России манера многоголосного пения в европейском духе, в противовес одноголосному знаменному распеву. У каждого времени есть свой авангард.



Особенно изысканно они чередовали микроциклы стихир с евангельскими чтениями в ладоой традиции сильно юго-западных церквей, типа греческой. (Если будете смотреть видео - инструмент  в руках у исполнительницы Алисы Тен называется шрутибокс).

https://video.xx.fbcdn.net/hvideo-xpf1/v/t42.1790-2/11291406_889356354467528_942568957_n.mp4?efg=eyJybHIiOjMwMCwicmxhIjo1MTJ9&rl=300&vabr=156&oh=a613ca1da6012a32cb0b1c1f35ef26b7&oe=55969B2E

И даже распели индийский лад.

https://vimeo.com/131749878 (Поймите меня правильно, пароль chronos)

Вот здесь есть момент с кратким пояснением руководителя ансамбля Евгения Скурата. Подробнее музыканты объяснили мне вот как: "Мы использовали лады византийской и индийской музыки для для чтения нараспев евангельских текстов но, для более полного раскрытия этих ладов, решили задействовать и фольклор. Народная песня на индийском языке звучала после стихир, повествующих о сошествии Святаго Духа на апостолов, а евангельской проповеди другим народам, о синтезе эллинистической, иудейской, персидской, славянской и прочих культур благодаря проповеди евангелия всем народам."
В общем, те, кто побывал на "16/21", надеюсь, получили изысканное удовольствие от сочетания музыки и архитектуры, визуального искусства и слуховых впечатлений, интеллектуальной нагрузки и эмоционального воздействия. И благодаря формату (смесь музыки разных эпох в выставочном пространстве, по которому можно было в том числе и передвигаться) это удовольствие стало, мне кажется, доступнее.
Поэтому на сладкое - слушаем, смотрим и сравниваем "Титаник" на текст того самого Ильи Кормильцева у "Наутилуса" и у Демуцкого в исполнении хора "Фестино":


https://vimeo.com/131749879 (пароль titanic).

P.S.: ссылки на видео, снятые не в Арсенале - из общего доступа. Но у нас эта музыка звучала тоже, просто нельзя объять необъятное и отснять и записать всё ((
genius _loci

Открывая закрытые двери

"За закрытыми дверями" - цикл музыкальных программ NoName-ensemble совместно с Арсеналом (ВВФ ГЦСИ), который мы провели  весной 2015 года. По задумке застрельщика проекта - Марка Булошникова, название отсылает к одноимённой пьесе Жана-Поля Сартра «Huis clos» (1944).



Чаще всего эта пьеса классика экзистенциализма рассматривается как иллюстрация тезиса «Ад — это другие». Трое персонажей после смерти оказываются в замкнутом пространстве - их персональном аду. Они пытаются избежать осознания неприятных фактов их жизни. Но благодаря присутствию рядом Других, это оказывается невозможным. В проекте "За закрытыми дверями" присутствует и замкнутое пространство, и попавшие в него Другие - зрители.
Однако в отношении зрительских реакций проект был направлен вот на что: зритель помещается в "максимально неконцертную ситуацию" для того, чтобы по задумке авторов  "предельно обострить слуховое восприятие". Какими приемами это достигалось? Необычное пространство, в котором проводились встречи. Слушатели располагались максимально свободно: на пуфах, ковриках, спальных мешках, подушках в шезлонгах...

Важный момент - условием каждой встречи было то, что музыканты скрыты от зрителей. Это дало интересные результаты. Марк прежде всего имел ввиду, что это условие "отсылает к типу домашнего прослушивания музыки на CD". Мне кажется, это несколько противоречит идее "обострить слуховое восприятие", ибо в домашних условиях звучащая в записи музыка имеет тенденцию становиться фоном, "музыкальными обоями", "меблировочной музыкой". В ситуации проекта "За закрытими дверями" слуховое восприятие имхо действительно обострялось. Но именно потому, что зритель был вырван из привычного концертного контекста и в то же время продолжал отчасти оставаться в его поведенческих категориях. Да -  зрители сидели, лежали, некоторые листали планшеты. Но по-прежнему молчали, не перемещались и старались не мешать друг другу посторонними звуками. Я бы сказала, что была смоделирована некая третья ситуация.
Другой интересный эффект связан с самоощущением музыкантов. Ребята по их собстенным эмоциональным отзывам получили интересный исполнительский опыт. Во-первых, исчезал эффект "публичного одиночества", знакомый каждому музыканту с детства, когда он в подготовительной группе музыкальной школы выходит на сцену. Ведь "За закрытыми дверями" сцены и взглядов публики не было. Наверно эти ощущения были близки  музыкантам старшего поколения поколения, которые играли на радио в прямом эфире: ты не видишь зрителей, но знаешь, что они прямо сейчас тебя слушают. Вещь новая для музыканта, привыкшего эмоционально подпитываться от аудитории (в том числе и испытывать артистическое волнение). Это было какое-то иное качество артистического одиночества, очень интимное, похожее скорее на ощущение, когда музыкант играет сам для себя, наедине с собой.
Музыкантам было интересно играть и с точки зрения акустики. Три концерта -три совершенно неожиданных для них акустических ситуации, дававших каждый раз интересные, неожиданные эффекты. Вопрос пространства - был наиболее важен с точки зрения его реализации в Арсенале. к началу проекта новые площади частично уже были заполнены выставкой "Музей великих надежд"  (выставочные пространства - далеко не весь Арсенал) и явно напрашивались на музыкальное, акустическое "обживание". Снова, как и в "Марево", акустика в проекте "За закрытыми дверями" - не обстоятельство места, а основной объект интереса. Это проект - музыкальное исследование архитектуры Арсенала.
Его итог - практически любая точка пространства  в нашем здании (включая подсобные помещения) способна превратиться в пространство концерта, перформанса, пространство современного искусства.
А три встречи NoName-ensemble со зрителями - это три уникальных   решения задачи "звук + пространство Арсенала".

Встреча 1 Этажерка


Пространство:
коридор - переход между старой и новой частью Арсенала, окруженный трехъярусными офисными помещениями без глухих перекрытий между этажами. Зрители внутри коридора, музыканты - снаружи, в смежных помещениях. Их силуэты можно было разглядеть за перегородками из молочного стекла,для этого мы подсветили ребят их лампами. Но самое главное - звук проходил через промежутки в перекрытиях офисной "этажерки" и доходил от музыкантов до зрителей по неожиданным траекториям.


Программа:
Раду Малфати Хайку
София Губайдулина Сонатина
Кэтрин Лэмб Open scape
Тим Паркинсон Flute and bass
Дитрих Букстехуде Прелюдия и фуга
Раду Малфати Хайку

Встреча 2 Термография Горького



Пространство:
Увеличенный в размерах вариант произведения московских концептуалистов на выставке "Музей великих надежд" послужил естественной ширмой, отделившей по "условиям игры" музыкантов от слушателей. Поскольку "Термография" посвящена датам биографии Горького, одним из произведений в программе была композиция его современника.
Программа:
Широков Things
Стравинский Танго
Шмурак Крестражи
Булошников Обыкновенные истории
Малфати Хайку

Встреча 3 Диван-лифт




Пространство:
Лестничная площадка на втором этаже нового (правого) ризалита задумана как пространство отдых от современного искусства. Здесь есть диван и полукруглые окна, из которых открывается вид на реку. Рельефный чугунный пол не позволил нам укладывать зрителей. Поэтому мы поставили шезлонги и стулья так, чтобы каждый имел какое-то личное пространство, позволяющее предаться созерцанию. Музыканты располагались на лестничных пролетах выше и ниже зрителей, а также за прозрачной перегородкой. Исполняя на своих телефонах композицию Юры Акбалькана Freesound.org (о нем я рассказывала в посте "Воображаемый фольклор"), музыканты приехали к зрителям на лифте.


Программа:
Широков Things
И.С. Бах Партита для флейты
И.С. Бах Соната для скрипки
Люсье Опера с объектами
Телеман Фантазия
Булошников Трио
Акбалькан Freesound.org




Легко заметить, что за счет повторов произведений создается сквозное объединение программ цикла. Это был и еще один повод поиграть со зрителями. В проект была включена интерактивная составляющая: для каждой встречи мы придумывали для них небольшое задание (угадать порядок исполнения, угадать, кто из исполняемых композиторов был современником Горького и т.п.). А в конце последней встречи мы просто попросили зрителей высказать свои впечатления от проекта, и в результате получилась без скидок содержательная дискуссия.
P.S.: название проекта оказалось пророческим - планировалось, что Арсенал откроется для публики в феврале, но наши учредители не торопились. Поэтому встречи с NoName-ensemble происходили действительно "за закрытыми дверями". И только последний концерт состоялся в мае, когда двери выставочного пространства Арсенала открылись.


genius _loci

Два музыкальных проекта Алексея Шмурака: "Воображаемый фольклор" и Nobles et sentimentales

Музей великих надежд: Вариации на две русские темы.

Выставкой "Музей великих надежд" открылось новое пространство Арсенала (ВВФ ГЦСИ, Нижний Новгород). В этом проекте по задумке кураторов Алисы Савицкой и Владислава Ефимова современные художники осмысливают значение главных культурных героев нижегородской истории. Героями моего - музыкального зала стали Балакирев (1837-1910) и  Матюшин (1861-1934).  В нашем городе он прожили ровно по 16 лет. Оба вошли в историю не только как музыканты. Балакирев – был страшно раскручен в советские времена как организатор «могучей кучки». И не очень - как композитор. Понятно почему старательно забытый Матюшин  - плоть от плоти своей эпохи, композитор, художник и мыслитель, разработчик четвертитоновой системы и исследователь взаимосвязи цвета и звука.  Экспозиция, построенная как вариации на две темы, рассказывает, что традиция была когда-то новаторством. А авангард однажды становится классикой.
"Воображаемый фольклор"
В 2012 году для фестиваля Гольфстрим в Киеве композитор Алексей Шмурак придумал проект "Искусственный фольклор". Фольклор - одно из важных понятий в той истории, которую мы рассказываем в музыкальном зале выставки "Музей великих надежд". Фольклор  оказывается источником вдохновения таких, казалось бы, разных  направлений как русский романтизм и авангард. Фольклор оказывается и точкой сборки сакрального пространства памяти, которое создают в экспозиции молодые художники Владимир Чернышев и Артем Филатов. Создают из гнилых досок, собранных по заброшенным деревням.

И когда Марк Булошников предложил мне позвать проект Шмурака в Арсенал, всё сошлось. Только слово "искусственный"  я заменила на "воображаемый". Сработал рефлекс: сознание подсказало термин Сержа Морё "воображаемый фольклор"(из книжки о Бартоке). И пусть изначальный оксюморон разрушился, возникло, надеюсь, новое качество, которое совпало с образом нового экспозиционного пространства.
"Воображаемый фольклор" - проект, "предлагающий композиторам представить свою версию гипотетического обряда несуществующей (выдуманной) традиционной культуры. Авторы помещают какие-то черты фольклора (анонимность, привязка к трудовой деятельности и социальному устройству, формульность) в современный контекст. Усиливая "фольклорность" ситуации, композиторы должны сами исполнить свои пьесы без использования традиционных музыкальных инструментов". В нижегородском сете участвовали Рачья Есаян с библейским видением "нового народа", Юрий Акбалькан с попыткой представить фольклор как Интернет, и Дарья Звездина, исследовавшая течение времени в ситуации обряда. Шмурак же в своей пьесе рассматривал одно из свойств фольклора (вариантную повторность) в ироническом ключе.
А еще  - впервые  эта музыка обыграла наше новое пространство. В экспозиции у нас есть музыкальная инсталляция (там звучит микс из "Победы над Солнцем" и фольклорных песен). Аутентичный фольлор мы заменили воображаемый: через колонки инсталляции Юра Акбалькан транслировал звуки “freesound.org music”. Так возникала  ситуация фольклора нового века:  коллективного музицирования на основе сэмплов, проигрываемых напрямую с сайта в режиме онлайн.
Дарья Звездина рассадила исполнителей своей пьесы по сторонам "трубы" из инсталляции И. Макаревича и Е. Елагиной, посвященный  женщине-врачу Надежде Сусловой. Труба -кровеносный сосуд, родовой путь, - оказался между двух групп участников пьесы и проводил теперь другую кровь и другую жизнь: звук.


Песню Рачьи ребята спели, переходя из нижнего уровня пространства арсенальского атриума на второй, верхний свет. Получилось настоящее сакральное исследование потенциала этого пространства.



"Nobles et sentimentales"

Традиция романтических пьес для фортепиано , "благородных и сентиментальных" появилась в Европе практически с начала XIX века. Nobles et sentimentales - это устойчивая характеристика романтических фортепианных пьес: у Шуберта есть такие вальсы, с отсылкой к ним свой цикл уже в 1911 году написал Равель. Это выражение духа романтической фортепианной музыки. Герой нашей выставки Балакирев - одним из первых в России стал писать для романтического фортепиано соло и с оркестром. Поэтому мне было так интересно, чтобы  Алексей Шмурак обозначил взаимосвязь прошлого и современности в этом своем проекте.  Исследовал, как обстоит дело с благородством и сентиментальностью в современной фортепианной музыке.  Звучали: Загний и Булошников, Чельцов и Есаян, и конечно "Земляничная соната" самого Шмурака, исполнить которую помогла скрипачка NoName Аня Байрашева.
Если Алексею понрачится запись звука, выложу её здесь. А пока смотрите видео "Воображаемого фольклора".

Фото:  Алиса Савицкая, Дмитрий Степанов, Владимир Чернышев.

Победа над Солнцем

20 марта специально к затмению (шутка), в Арсенале сыграли концертное исполнение оперы "Победа над Солнцем".
Как часть звуковой инсталляции выставки "Музей великих надежд", опера еще и звучит в зале, посвященном нижегородским музыкантам.
Теперь из Арсенала эту музыку можно унести с собой: вышел CD.
Всё это  - поводы написать здесь об опере всё, что я о ней знаю и думаю (если честно - всё это я написала в буклете диска).



«Не больше, не меньше…»
Речитатив Путешественника,
«Победа над Солнцем».

«Победа над Солнцем» - на всякий случай - уникальное явление в истории отечественной и мировой культуры. Самими авторами  она с присущей футуристам смелостью (если не сказать больше - самонадеянностью) названа  «первой футуристической оперой». Впрочем, вопрос о принадлежности к этому жанру стал темой для дискуссий – и в рядах зрителей на премьере, и среди нескольких поколений специалистов, сменявших друг друга за 100-летнюю историю этого произведения.
Спектакль был создан  в 1913 году. Автор словесного текста оперы – изобретатель языка «зауми», поэт Алексей Крученых.  Казимир Малевич создал эскизы к костюмам и декорации. Именно в эскизах к «Победе на Солнцем» впервые появляется его "Черный квадрат".
Автор музыки  -  нижегородец Михаил Матюшин (1861-1934). Он  - композитор, а в последствии и художник - свойство настолько редкое, что и сравнить почти не с кем, разве что с довольно близким по духу современником - Чюрленисом. Матюшин разрабатывал в своем творчестве совершенно особые системы: как в области музыки, так и в области восприятия цвета. Его «Руководство к изучению четвертей тона для скрипки» (Петроград, 1915, изд-во "Журавль") -  интереснейший шаг по  расширению традиционной европейской звуковысотной системы.  В нем композитор   вводит звуковые «микроструктуры» (1/4 тона, 1/3 тона), недоступные на фортепиано обычной настройки, утверждая  в музыкальной практике ультрахроматику. Эта идея  - одна из самых передовых в контексте русского музыкального авангарда. Независимо от Матюшина ее также разрабатывали композиторы Арсений Авраамов,  Артур Лурье, Иван Вышнеградский. А в «Победе над Солнцем» четвертитоновый фрагмент стоит особняком: вынесен за рамки партитуры и завершает изданную брошюру с либретто и небольшими нотными фрагментами. Он назван Матюшиным «Ноты Будетлянские» - то есть это музыка будущего!
Как художник и исследователь Матюшин руководил группой «Зорвед» (от слов «зорко», «взор» и «ведать») в ГИнХуК (Государственный институт художественной культуры). Результатом его работы стал «Справочник по цвету. Закономерность изменяемости цветовых сочетаний» (1932). Важно отметить, что Матюшин занимался также взаимосвязью цвета и звука – феноменом, известным прежде всего в связи  с творчеством А.Н. Скрябина (1872-1915). В 1926 году состоялась выставка Матюшина «Связь звука и цвета», а свои наблюдения и выводы он сформулировал в работе «Звуко-цвет» (1933).

Музыку Матюшина в «Победе над Солнцем» высоко оценил Владимир Мартынов:
"Клавир Матюшина свидетельствует о незаурядных композиторских способностях своего создателя, свободно пользующегося остро диссонансными аккордами, политональной и атональной гармонией, остинатными фигурами и прочими новаторскими средствами, характерными для творчества наиболее передовых и продвинутых композиторов того времени. В этой связи интересно было бы привести параллельный анализ "Победы над солнцем" и "Весны священной", премьера которой состоялась в том же 1913-ом году в Париже". (Здесь и далее цит. по: "Михаил Матюшин. Творческий путь художника". Изд. "Музей органической культуры", Коломна, 2011).
Два «дейма» (по В.Хлебникову)  - шесть картин «Победы над Солнцем» стилистически прокладывают дорогу от любования звуковыми красотами позднего романтизма через символистскую мелодекламацию к зонг-опере (которая случится у Брехта через 15 лет). В спектакле чередуется пение и декламация. Для истории оперы это не новость – вспомним первоначальную версию «Кармен» Бизе или оригинальный вариант «Волшебной флейты» Моцарта. Однако для оперы начала ХХ века  - это уже почти забытый опыт, воспринимаемый практически как новаторство,  и скорее связанный с традицией народного площадного, балаганного или же кабаретного представления.
  Часть текста произносится на фоне музыки, что отсылает к популярному на рубеже веков (в символистской среде) жанру мелодекламации. Некоторые номера в опере (два из сохранившихся фрагментов) обозначены как «песня» («Песня забияки», «Мещанская песнь»). Мелодии в них парадоксальным образом чрезвычайно легко запоминаются, хотя и опираются на сложноладовую звуковысотность. Зато аккомпанемент в них нарочито лапидарный, по принципу чередования бас-аккорд (настоящее «ум-ца, ум-ца», но не на основе традиционной тональности!). Упругое, свежее звучание в сочетании с необычным текстом Крученых делает эти песни настоящими «футуристскими хитами».
Явной пародией на поздний романтизм и эстетизм новых течений Серебряного века звучит в «Мещанской песне» фрагмент: «Не поймаюсь в цепи-силки красоты/ Шелки нелепы уловки грубы» в ясном Ми-бемоль мажоре с хроматическими опеваниями-подголосками в аккомпанементе.  На традицию лейтмотивов в романтической опере указывают  ремарки в нотном тексте: «мотив толстяка», «мотив чтеца».  И конечно – непременный для традиционной «большой» оперы «экзотический» вставной номер: Марш пленных турок!
Последнее сопоставление старой и новой музыки – в финале. Точнее – в финале и за его пределами. Формально опера заканчивается несколькими идущими друг за другом фрагментами у фортепиано: 1) нарочито традиционалистской радостной темой на 6/8, 2) таинственным высоким тремоло в сочетании с вкрадчивым басом и 3) сияющим Фа-диез мажором (характерным для Скрябина) с нежными трелями и хроматическими переливами. И уже затем  - «Ноты Будетлянские», и с прошлым, и с настоящим – покончено!
Внутри оперы новая музыка  - это переосмысленная архаика. Вступление, аккомпанемент Монолога Путешественника из 1-й картины, Andante maestoso из 5-й картины («Музыка передает прямые линии новой страны») – в этих мощных и торжественных моментах явно прослеживается связь с колокольным звучанием. А аккорды в вокальной партии Хора спортсменов (6-я картина) тянет  даже сравнить с петровским кантом. В этом музыкальном решении работает тот же принцип, что и в тексте Крученых: его словесное новаторство опирается на глубинные древние корни русского языка.

В своей автомонографии «Творческий путь художника» Матюшин высказывается относительно смысла «Победы над Солнцем»: «…опера имеет глубокое внутреннее содержание, издеваясь над старым романтизмом и многопустословием, что Нерон и Калигула [объединенные в одного персонажа – прим. моё, К.А.] - фигура вечного эстета, не видящего живое, ищущего везде «красивое» (искусство для искусства), что путешественник по всем векам — это смелый искатель — поэт, художник, прозорливец, что сражающийся сам с собой неприятель — это конец будущим войнам и что вся «Победа над Солнцем» есть победа над старым привычным понятием о Солнце, как «красоте»».

Скандальная премьера "Победы над Солнцем"  готовилась, как известно, в стесненных материальных условиях.  Музыка не была оркестрована -  автор аккомпанировал певцам  на фортепиано. В изданной брошюре с либретто было опубликовано всего лишь несколько нотных фрагментов. Но это далеко не вся сохранившаяся музыка оперы. Наиболее полный нотный текст сохранился в рукописи, переписанной ученицей Матюшина, М.В. Эндер. Он  был опубликован в книге Михаил Матюшин «Творческий путь художника» (Изд.: Музей органической культуры, 2011).
За свою столетнюю историю "Победа" была несколько раз поставлена в России и за рубежом. В каждой из сценических постановок неизбежно приходилось заниматься оркестровкой и добавлениями  из музыки современников Матюшина (например, Скрябина), а в некоторых случаях -  досочинением не сохранившихся музыкальных фрагментов.
В проекте Волго-Вятского филиала ГЦСИ, приуроченного к выставке "Музей великих надежд"   осуществлено  аутентичное исполнение большей части сохранившихся фрагментов оперы исключительно с музыкой Матюшина, без каких-либо добавлений.  Нижегородские молодые певцы исполняют свои партии под аккомпанемент рояля. (Кстати, в живом исполнении был еще и чтец - получилась полноценная мелодекламация!)
Вид, в котором партитура "Победы над Солнцем" дошла до нынешнего времени, создает впечатление эскизности. Однако, оно обманчиво. Отсутствие оркестровки не умаляет достоинств нотного текста Матюшина. Он, под стать тексту словесному,  - дерзок, остроумен, и направлен в будущее в гораздо большей степени, чем кажется. Речь о том, что в музыке "Победы над Солнцем" можно расслышать те тенденции времени, которые затем реализуются в  "Мимолетностях" Прокофьева (с их свободным обращением с тональностью) и "Носе" Шостаковича  (с его умением работать с "низкими", лапидарными жанрами). А значит, "Победа над Солнцем" - по праву носит звание документа своей удивительной по смелости эпохи и почетный титул "первой футуристической оперы".
 

Время не вперед

Только Вика Коршунова могла придумать, чтобы мне вдруг сказать вступительное слово к новой программе МАСМ на Платформе. Только она могла заснять это так, как будто я пою ))
на платформе
Но речь не обо мне, а о новой программе МАСМ. Как ни назови - это совершенно уникальная штука. Этот проект о том, как время влияет на наше восприятие.
И это не только  эпоха написания музыки, но и все события, которые произошли в культуре потом. Кратко выражаясь, Баха ПОСЛЕ Кейджа  невозможно играть так, как это делали ДО Кейджа.
Во-первых, в программе есть несколько произведений, в которых современные авторы вслушиваются в музыку прошлого.
Сергей Невский (Lamento traffic) - в песню Генри Персела. Помимо перселловской вокальной партии (звучащей, как облако, растащенное ветром), здесь у разных инструментов на разных скоростях возникает оригинальный же бас, который перебивается вставками очень вольного пересказа перселловского текста.
Вальтер Циммерман  (In Nomimi)  переосмысливает барочную традицию  с помощью песни туземцев Новой Гвинеи, мелодически совпадающей с хоралом In Nomini - тем самым, который дал название жанру.  Пьеса исполняется виолончелью в синхрон к записи папуасов, виолончель как бы сопровождает, копирует голос.
Иван Бушуев (Nebensonnen) заслоняет в песню Франца Шуберта "Ложные солнца"  "шумовой завесой". Это дистанцирует от нас романтическую музыку и эстетически, и психологически... Или приближает?
Во-вторых, сюда же добавлены произведения Перселла и Доуленда.
Они также звучат в транскрипции Бушуева (и одна - Власика). Тут  МАСМ делает совсем уж нечто: переоткрывает аутентичное звучание старинной музыки. Его образ  достигается не как принято в исторически информированном исполнтельстве - за счет старинных инструментов с жильными струнами. Музыканты лепят отголоски аутентичного звука на современных инструментах. Всё звучит то как в заброшенном храме, то как на случайно пойманной радиоволне с помехами, и от этого кажется еще несказанно прекраснее.
Именно тут лишний раз убеждаешься: в искусстве направление нашего движения по временнОй шкале практически не имеет значения .
Вся программа проникнута медитативным началом: Мессиан с фрагментом из "20 взглядов на младенца Иисуса Христа", Клаус Ланг с "Твин Пиксом" (честное слово!), Фелдман (которого Митя Власик вместо ударных играет на гитаре!), L'âme ailée и L'âme ouverte Шелси ( Влад Песин играет эту почти одну ноту со стороны задних рядов, а мы сидим, прямо как в платоновской пещере). Готовясь к разговору обо всё м этом я нашла потрясающие слова, сказанные о музыке Клауса Ланга:  "Музыкальный материал пьесы - это время, воспринимаемое посредством звука. Ведь объект музыки - это опыт слушания сквозь время. Музыка делает время слышимым".
В случае с МАСМ вроде бы уже стоило привыкнуть, что каждый их проект - это удивительный опыт для слушателей. Но, к счастью, привыкания не происходит. Раз за разом испытываешь впечатления очень глубокие и сильные.
Жаль, что Вика Коршунова не может сделать так, чтобы на Платформе это происходило не в последний раз.


Зато здесь с ее разрешения я помещаю видео с концерта 3 декабря: Джон Доуленд Lachrimae Antiquae (транскрипция И. Бушуева)
https://vimeo.com/113918190

А вообще программа была такая:

Джон Доуленд

Semper Dowland, semper dolens

Джачинто Шелси

L'âme ailée

Оливье Мессиан

Regard du silence

Джачинто Шелси

L'âme ouverte

Джон Доуленд

Forlorn Hope Fancy

Lachrimae

Gagliarda

Жерар Гризе

Charme

Вальтер Циммерманн

In Nomine

Генри Пёрселл

Fantasia VII

Робин Хоффманн

Birkhahn - Studie

Сергей Невский

Lamento traffic

Генри Пёрселл

Fantasia IX

Клаус Ланг

Zwillingsgipfel

Франц Шуберт

die Nebensonnen

Мортон Фелдман

King of Denmark

Джон Доуленд

Lachrimae Antiquae

The King of Denmarks Gagliard

Музыка в кино

Закруглила цикл лекций "Музыка в кино". Вероломно воспользовавшись всенародной любовью к кинематографу, в течение 4х (четырех!) вторников под видом самого важнейшего из искусств беззастенчиво пропагандировала музыку Курляндского, Невского, Карманова, Десятникова, Мартынова, Губайдулиной, Денисова, а также Лигети, Пендерецкого, Райха и многих других (в том числе - нижегородских, Марка Булошникова, конечно, в анимационной работе Е. Стрелкова).
И, судя по всему, трюк удался.
В итоге зритель однозначно заполнял новое пространство для лекций в Арсенале "под сводами". muzvkino-3-2400-23

Причем не только сидя.
musvkino-10
Не могу не присоединить изображение любимых коллег, слушавших на лестнице.
musvkino-19
Ну а попавшая в кадр камера красноречиво указывает на то, что лекции писались на видео.
Вот ссылки (ну так, чтобы были в одном месте):
1. Немой, но не глухой. Черно-белый и авангардный. От Сати до Прокофьева и Шостаковича.
http://www.youtube.com/watch?v=I3L1eCTEG9c&list=UUMbnV7Ke8rl9XQUwMW7rZ4w

2. Классика в кадре. Зачем кинематографу шедевры мировой музыки?
http://www.youtube.com/watch?v=UXZ3z6r-WCY&list=UUMbnV7Ke8rl9XQUwMW7rZ4w

3. Минимализм великий и ужасный. А также: какую музыку любят режиссеры? От независимых откровений Наймана до коммерческих выплесков Гласса.
http://www.youtube.com/watch?v=D5m6gj8OOb8&list=UUMbnV7Ke8rl9XQUwMW7rZ4w

4. Немного ранее и сейчас. Шедевры как способ заработка для советских композиторов и...
http://www.youtube.com/watch?feature=youtu.be&v=5H7jNtpYUxg

Надо еще сказать, что почти спонтанно придуманный для первой лекции момент что-нибудь обязательно сыграть (рояль отлично звучит под сводами) вызвал большое оживление. В итоге получился формат, которого придерживалась и в дальнейшем.
Track-list получился такой:
1. Сати Gnosienne №3
2. Барток Мелодия в тумане (Микрокосмос)
3. Гласс Metamorphosis №1
4. Денисов Багатель №1

Спасибо Арсеналу за возможность, зрителям - за вопросы и что пришли.

Apartment House - отчет

Да, первое, что нужно сказать об этом концерте 4 октября - был АНШЛАГ. Именно капс-локом. По количеству публики это было сравнимо только с такими грандиозными событиями, как юбилейный фестиваль Сильвестрова и Марево.
Британская программа была составлена Антоном Лукошевиче (лидер команды) не знаю насколько с рассчетом на подобный эффект - но музыка действительно очень сильно отличалась от европейского contemporary. Поскольку после почти пяти дней работы переводчиком для них, я никак не могу выключить этот модуль в своей голове, скажу так: purity and simplicity.
Хочется написать про музыку.
Лоуренс
Крейн - Apartment House только что записали его двойной CD (и подарили мне экземпляр!!!!!). Его вещей было две:
20th Century Music ("Музыка ХХ века"), сочиненная 31 декабря 1999 года и Trio for Ros and Peter ("Трио для Роз и Питера"). Во втором - (на уровне числа Авогадро - Мартынов и Загний) такой музей знакомых интонаций, которые лежат под стеклом, а мимо них по многу раз за день проходит публика.
Амбер Пристли- музыка композитора-женщины, о пьесе драматурга-женщины (Кэрил Чёрчилл).Maisie Fidgets about the Room ("Мэйси снует по комнате") - да, это очень напоминает метадраму. И это была пожалуй самая перформативная вещь в программе.
Тим Паркинсон  - человек нашего поколения, впечатленный Люсьером. symphony 2014b по авторской аннотации отталкивается от греческого слова «симфония»  - «созвучие». Мое музыковРедческое воображение тоже от этого оттолкнулось, и когда в финале из задних рядов зала зазвучала молчавшая до тех пор флейта(ту же тему),
я вспомнила платоновский миф о пещере. Зрители сидят лицом к музыкантам, но, то что они играют - лишь отзвуки истины. А истина где-то там )))
Пьеса Джона Лели была написана специально для Apartments в августе этого года, это струнный дуэт, очень строгий, и я все время боялась, что публика заскучает, пока не погрузилась в его густой регистр и не успокоилась.
Ornamentik Тома Филипса (который даже больше художник, чем композитор), это такая очень семидесятническая послекейджевская графическая партитура. Надо было вывести ее на экран для зрителей. Вот сайт Филипса с его художественными работами: www.tomphillips.co.uk
Единственной не-британской пьесой была Stanza Армана Гущяна с препарацией рояля. После концерта подходили пианистки из консерватории, интересовались. Сказали, что в курсе насчет того, что препарацию Кейдж придумал. Еще один зритель подошел и спросил, зачем там цитата из 27 сонаты Бетховена.
За время общения с Apartments много говорили о музыке и не только, обменивались ссылками. Антон -увлеченный фотограф, у него роскошная винтажная пленочная Leica - настоящее сокровище. Его композиторские работы можно оценить на сайте www.antonlukoszevieze.co.uk
Вот такая графическая партитура например http://www.antonlukoszevieze.co.uk/styled/files/score-lexicon.pdf
Щелкнула их в Кофекейке на Рождественской.

10704039_717352318334600_8889929442310245164_n

Лекционная осень

К счастью, моя осень не зарядила дождями, но лекциями - да.
Сначала в Чайковском на Академии рассказывала местным учителям про свой опыт преподавания курса Современная муз.лит., заодно показывала Марево. Слушала МАСМ.

https://www.facebook.com/photo.php?fbid=706870472716118&set=a.706869156049583.1073741836.100001795162815&type=1&theater

Потом уже в Нижнем рассказывала про Воццека Берга.

https://www.facebook.com/photo.php?fbid=697079343720251&set=a.430456750382513.1073741827.100002545764064&type=1&theater

И вот теперь грядет лекция в честь дня музыки 1 октября!!!

Наша дорогая pr-директор Настя попросила меня рассказать КАК СЛУШАТЬ СОВРЕМЕННУЮ АКАДЕМИЧЕСКУЮ МУЗЫКУ.

Я, конечно, помню лекцию Сергея Невского по тому же поводу: http://theoryandpractice.ru/posts/6624-kak-rabotaet-iskusstvo-sovremennaya-akademicheskaya-muzyka

Она прекрасна, но на мой взгляд, Сергей все же говорит с позиции композитора (а как же иначе!). Ну и вот я попробую говорить с позиции музыковеда (а как же иначе!). И, надеюсь, следовательно - чуть более с позиции слушателя.

Приходите в Арсенал 1 октября в 19 ч. Вход свободный.

И снова opus post

Увы, каюсь: делая проекты, частенько не успеваю о них написать. Нынче в жанре post scriptum приходится вспоминать о приятнейших событиях конца весны - начала лета.
Это - Детский/Недетский альбом (21 апреля), Шоу критиков на Вазари-фест (25 мая) и концерт Части спектра (22 июня).

Первое и последнее события связаны с приездом Московского ансамбля современной музыки. В апреле дети (воспитаниики школы при нашем музыкальном колледже) сыграли Детский альбом чайковского, переслоенный сontemporary-парафразами на него.
Вот как это было: https://www.facebook.com/xenia.anoufrieva/media_set?set=a.636573836412449.1073741833.100001795162815&type=3

На концерт МАСМ "Части спектра" пришло колоссально много публики. Море благодарности всем за это! Французская музыка того стоит (не говоря уж о потрясающем исполнении). Тем более, что гостем вечера был Франк Бедроссян (любезно сделавший еще и мастер-класс с Cantando).
Для тех, кто пропустил - видео!
http://www.youtube.com/watch?v=FgLRZ2KqiP8&featur

Шоу критиков - это, если честно, проходит у меня по разряду ""и смех, и грех. Однако это тот случай, когда в шутках есть значительная доля правды. И время показывает, что опасения, высказанные мной на этом шоу, начинают сбываться...
Полюбопытствуйте:
http://www.youtube.com/watch?v=S7RdWha-QAs&list=UUMbnV7Ke8rl9XQUwMW7rZ4w

5 песен за 20 франков

18 марта (вторник) в 19:00 в Арсенале концерт NoName-ensemble.
Программа:
Артюр Онеггер Пасифик 231 (видео Ж. Митри) (9 ' 20'') для оркестра
Роланд Мозер Quatre cadres harmoniques (8') для ансамбля
Артюр Онеггер Романс (2'30'') для флейты и фортепиано
Беат Фуррер Lied (10') для скрипки и фортепиано
Эльмир Низамов Серенада Шарманщика (5') для ансамбля
Повод - открытие фестиваля и выставки "Швейцарская линия". Мимо выставки не пройти - она будет прямо в зале. Так что получается практически вернисажный музыкальный салон. А поскольку это как-то очень старомодно и гламурно, я решила добавить паровоз.
В итоге должна получиться история про то, что где-то высоко в горах есть земля, где материальные ценности не противоречат духовным. Поэтому на деньгах печатают композитора (Онеггер - как раз на двадцатке), архитектора (Ле Корбюзье), художницу абстракционистку и дадаистку (Софи Тойбер-Арп), историка культуры (Якоб Буркхардт) и просто Альберто Джакометти.
И вот есть такие песни (так называется любая музыка на исполнительском жаргоне), которые определенным образом обрисовывают духовное (или материальное?) пространство этой страны. Эхо в горах доносит отголоски Шуберта (австрийские Альпы неподалеку) - в Lied Фуррера есть цитата его песни, а Низамов просто цитирует это пространство то ли одиночества, то ли свободы. А сами горы состоят из отголосков звука: Мозер строит свои "4 гармоничных кадра" на гармониках.
Но самое интересное происходит с Онеггером. Сначала он такой весь паровозно-чуть-ли-не-конструктивистский (хотя на самом деле пост-импрессионистский). А потом - бац, Романс. И нате вам "гельветическую чувствительность" (это он сам о себе позднем, швейцарском писал).
Как же нам попасть в это удивительное пространство (то самое, где материальность не гнобит духовное)? Ну не на паровозе же! Хотя... В ж/д путешествии есть тот же эффект: сидя неподвижно в кресле, ты стремительно перемещаешься.
Вот и здесь хочется такого мысленного перемещения.
Несмотря на внешнюю неподвижность, это самая активная практика, о которых я знаю.
Давайте заниматься ею, а не войной.